miércoles, 25 de noviembre de 2015

Frédéric Chopin

1810-1849 Polaco
Retrato Fréderic Chopin
Frédéric Chopin



Exiliado, abandonado por su amante, moribundo y consumido, pero siempre elegantemente vestido, la frágil imagen de Chopin se ajusta a los estereotipos del artista romántico. Considerado el primer poeta del piano, su música popular siempre ha trascendido a las modas. Su música anunció la liberación de su Polonia natal y todavía hoy acompaña a muchos gobernantes nacionales a la tumba.

Su música
En toda su música hay un piano, y la mayoría de sus obras son exclusivas para este instrumento. Parecería que sus obras llegaban a la partitura ya compuestas: la notación era la última etapa de la improvisación al teclado, y en ocasiones su obra evolucionaba después de su publicación. Escribió sus primeras obras para sus propios conciertos, aunque también las interpretan otros, pero, tras abandonar los conciertos, encontró su voz única, y cada uno de sus trabajos es una obra maestra. Refinaba y alargaba un estilo simple y melódico que escribía principalmente para sus discípulos, y su virtuosismo alcanzaba un grado sublime en el drama de sus obras más complejas, para conciertos a gran escala. Enormemente interesado y atraído por la forma de danza - el vals era evidente en muchas de sus obras - mostró su identidad polaca a través de la mazurca y la polonesa.

Hitos
1818 Ofrece su primer concierto.
1826 Empieza a estudiar en el Conservatorio de Varsovia.
1829 Dos conciertos en Viena; Variaciones, Op. 2, con una crítica favorable de Robert Schumann.
1830 Primera interpretación del Concierto para piano no. 2, Op. 21
1831 Llega a París, conoce a Liszt.
1832 Primer concierto en París; conoce a Mendelssohn y Berlioz.
1835 Conoce a Robert Schumann; compone Andante Spianato
1836 Se promete a María Wodzinska; conoce a George Sand
1837 Se rompe el noviazgo con Wodzinska; visita Londres; se publica Estudios, Op. 25
1838 Viaja a Mallorca con George Sand
1839 Termina Preludios, Op. 28
1848 Último concierto en París, hace una gira por Gran Bretaña.

Estas son las Seis obras fundamentales de Frédéric Chopin

Tonalidad

¿Qué es la tonalidad?

Tonalidades mostradas desde el círculo de quintas
Tonalidades mostradas desde el círculo de quintas

Tonalidad es la relación establecida entre una serie de sonidos con uno principal llamado tónica, el que rige el funcionamiento de todos los demás.

Nombres de los grados de la escala.
Según su función tonal, los grados de la escala se llama:
I. Tónica
II. Supertónica
III. Mediante
IV. Subdominante
V. Dominante
VI. Superdominante
VII. Sensible
VIII. Tónica

Clasificación de los grados de la escala diatónica.
1. Grados tonales
2. Grados modales
3. Grados atractivos

Grados tonales
Los grados tonales de la escala diatónica, son: I, IV y V.

Grados modales
Los grados modales de la escala diatónica, son:
El III, llamado modal primario y el VI, llamado modal secundario.

Grados atractivos
VII, II y IV.

Escala Mayor
La escala que se toma como modelo para conocer y estudiar las escalas mayores, es la escala de do, la cual tiene todos sus sonidos naturales. 
La escala de modo mayor tiene 5 tonos y 2 semitonos. Los semitonos se encuentren entre los grados III-IV y VII-VIII.

Escala de do mayor y escala de la menor
Escala Do Mayor y su relativa la menor

Escala menor
La escala que se toma como modelo para conocer y estudiar todas las escalas menores, es la escala de la, la cual tiene todos sus sonidos naturales, como su relativa mayor, la escala de Do.
Esta escala, por tener los mismos sonidos que su relativa mayor, tiene también 5 tonos y 2 semitonos. Los semitonos se encuentran entre los grados II-III y V-VI.

Escalas Relativas
Son dos escalas, una mayor y la otra menor, que tienen los mismos sonidos, la misma armadura, pero diferente tónica, y están en relación una de la otra, de una tercera menor, arriba, la escala mayor y debajo la escala menor.

Ejemplo:
DO MAYOR
la menor

SOL MAYOR
mi menor

Para complementar tu conocimiento revisa las 19 nociones que todo estudiante de música debe conocer




19 Nociones que todo estudiante de música debe conocer

Nociones que todo estudiante de música debe conocer
Nociones de la música


1. Música
Música es el arte y la ciencia de los sonidos.

2. Sonido
Es el resultado de las vibraciones de un cuerpo sonoro.
Las vibraciones producidas por los cuerpos sonoros son regulares.

3. Transmisión del sonido
El sonido se transmite por tres medios que son: sólido, líquido y gaseoso.

4. Vibraciones
Son los movimientos de vaivén que ejecutan las moléculas de un cuerpo sonoro, por efecto de percusión o frotamiento.
Las vibraciones son sencillas o dobles.
Las vibraciones sencillas constan de los dos movimientos: avance y retroceso.

5. Cualidades del sonido
Son tres: altura (o entonación), intensidad (o fuerza) y timbre (o color del sonido).

6. Altura del sonido
Es la cualidad que nos hace distinguir un sonido agudo de uno grave.

7. Causa de la primera cualidad del sonido
Se debe al número de vibraciones que ejecuta un cuerpo sonoro en un segundo.

8. Intensidad del sonido
Es la cualidad que nos hace distinguir un sonido fuerte de un sonido suave.

9. Causa de la segunda cualidad del sonido.
Se debe a la amplitud de las vibraciones. A mayor amplitud, el sonido es más fuerte, a menor amplitud el sonido es más suave.

10. Timbre del sonido
Es la cualidad que nos hace distinguir diferentes instrumentos y órganos de producción del sonido.

11. Causa de la tercera cualidad del sonido.
La tercera cualidad del sonido se debe a la forma de las vibraciones, originados por los sonidos armónicos.

12. Armónicos
Son los sonidos que acompañan al sonido más grave, llamado fundamental o generador, de la serie que se percibe de cualquier sonido producido por un cuerpo sonoro.
El orden de intervalos en que van apareciendo los armónicos de cualquier sonido, es el siguiente:
Armónicos
Columna de armónicos


13. Ruido
¿Qué producen los cuerpos que no son sonoros?
Los cuerpos que no son sonoros, producen únicamente ruido.

14. Causa por la que se produce el ruido.
El ruido se debe a que las vibraciones que lo producen, son vibraciones irregulares.

15. Elementos de la música.
Melodía, armonía y ritmo.

16. Melodía
Es la sucesión de sonidos de diferente altura que animados por el ritmo, expresan una idea música.

17. Armonía.
Es la parte de la música que estudia la formación y combinación de los acordes.

18. Ritmo
Es el orden y la proporción en que se agrupan los sonidos en el tiempo.

19. Determinación del ritmo.
El ritmo se determina por medio de los acentos.


Revisa el siguiente sitio para complementar tu conocimiento musical: Tonalidad




Funcionamiento del cerebro humano y la música

El cerebro humano está dividido en dos hemisferios:

Funcionamiento del cerebro humano (hemisferio izquierdo y derecho)
Los hemisferios del cerebro



• El lado izquierdo es el encargado de todo lo racional, analiza, abstrae, cuenta, mide el tiempo, planea procedimientos paso a paso, verbaliza (escritura, lectura, matemáticas, etc.)
 • El lado derecho es intuitivo en vez de lógico, piensa en imágenes, símbolos y sentimientos, sintetiza, va de lo global al detalle. Tiene capacidad imaginativa y fantástica, espacial y perceptiva. se encarga de la sensibilidad artística y la creatividad, (reconocimiento de formas, la creación).

 La educación convencional se enfoca principalmente en el entrenamiento del lado izquierdo del cerebro y su desarrollo se evalúa en relación con el desenvolvimiento del niño, sin embargo, el desarrollar ambos lados del cerebro, con un adecuado balance entre los mismos es ideal. La música tiene un gran efecto en el desenvolvimiento del lado derecho, ya que, cuando un niño escucha música, está enriqueciendo sus emociones y su creatividad. Los adultos descubren que la música es un oasis en medio del stress cotidiano: el poder tocar piezas es un verdadero placer que alimenta el espíritu, la música tiene poderes tanto relajantes como motivantes, se pueden expresar y canalizar emociones a través de la interpretación de piezas musicales.

¿Qué beneficios aporta el estudio de la música en mi hijo?

• Desarrolla sus sentidos, principalmente el oído y la motricidad.
• Principio de liderazgo.
• Autoestima, seguridad y confianza.
• Sentido de compromiso y dedicación.
• Le ayuda a expresar mejor sus sentimientos.
• Disciplina para alcanzar metas propuestas

Conoce cómo debe ser el estudio de un instrumento musical.

miércoles, 28 de octubre de 2015

Iniciación infantil en el piano

Niña pianista
Iniciación infantil en el piano


¿Cuándo puede un niño comenzar clases de piano?
En promedio de mi experiencia es de unos cinco años de edad. Desde esta edad un niño normalmente tiene la capacidad de atención para sentarse por diez a quince minutos, y se le puede enseñar patrones rítmicos y melódicos sencillos.

¿Cuánto tiempo debe practicar?
No existe un tiempo límite para practicar, sin embargo, es importante que un niño gaste tiempo de calidad con su piano, más que de cantidad. También es importante que los padres estén al pendiente y acompañen a su hijo en la práctica cuando son pequeños.
Consulta aquí más información sobre el Estudio de un instrumento musical.

¿Cómo sé si mi hijo tiene talento?
El talento, es algo con lo que un niño nace.
Existe talento cuando el piano es tocado por un niño de manera simple, natural y fácil, y la capacidad para memorizar una pieza musical es sencillo y no un problema.
Tocar frente al público debe ser divertido y emocionante. Y la mayoría de los niños encuentran al tocar el piano algo simple que les ayudará a disfrutar de la música.

Mi hijo toca mejor en casa que sus clases, ¿Por qué?
Los niños están más cómodos en su casa, que en cualquier otro lado. Cuando un niño va a sus clases de piano, la tensión lo hará sentirse más ansioso, al tener que tocar frente a sus maestros. Es importante que los profesores dejen al niño sentirse como en casa.
Es importante que el maestro ocupe los primeros minutos hablando y escuchando de los eventos de sus alumnos, para que así los niños se sientan más cómodos dentro de las siguientes lecciones.

Estudio de un instrumento musical

"¿Tengo que practicar todos los días?"

La realidad es que tomar dos o tres días libres sin practicar a la semana te ayudará a progresar más rápido que si practicaras todos los días.
Piensa en el cuerpo del ser humano. Las personas que levantan pesas o se ejercitan en el gimnasio, se les pide descansar por lo menos un día a la semana. ¿Por qué? Debido a que el entrenamiento destruye el tejido muscular y el día de descanso es cuando se reconstruye más fuerte que antes. 
Nuestros cerebros trabajan similar, los períodos de descanso son cuando el celebro asimila el esfuerzo.
Si tienes la intención de practicar los siete días de la semana y por otros compromisos no puedes estudiar un día, te sentirás culpable. Es mejor destinar un día de descanso y dedicarlo a otras labores. (Si tienes dos días de descanso, que no sean consecutivos.)

Sesión de estudio en el piano
Sesión de estudio 


"Si tomo un día de descanso, voy a tener que trabajar más duro para recuperar el tiempo perdido"

El estudio de un instrumento musical no puede ser acumulado como para un examen. 
Piensa en la forma que una planta crece. Puedes darle luz del sol, agua y los fertilizantes, pero no se le puede gritar "¡crece" para que lo haga, va a crecer a su debido tiempo y no se puede apresurar.
Tu crecimiento en un instrumento musical se detiene cuando no estás practicando por dos meses o dos años. Cuando lo tomas de nuevo puedes tener un período de revisión, pero tendrás que regresarte a donde lo habías dejado y entonces pasar de ese punto.
Si puedes quitar la presión de tener algún tipo de plazo para "recuperar el tiempo perdido", tu actitud hacia la música será mucho mejor y tendrás mucho más que disfrutar.


martes, 27 de octubre de 2015

Nunca es tarde para empezar a estudiar música

"Como yo no empecé a estudiar piano como un niño que nunca voy a ser capaz de tocar bien como un adulto." 

Estudiantes de violín de la 3ra edad
Nunca es tarde para aprender música


Esto es un mito, la realidad es que nunca es demasiado tarde.
Ciertamente la estimulación neuronal temprana desde niño ayuda con la inteligencia musical y otras distintas disciplinas. Por ejemplo, los niños que tienen habilidad para el deporte, gimnasia o danza son a menudo los mejores en el piano. Eso no es una sorpresa para la mayoría de la gente.
Lo que resulta más sorprendente es que los adultos muestran la misma capacidad de desarrollo. Un adulto que durante su niñez practicó deportes, le resultará más fácil aprender el piano en la edad adulta, debido a que la estimulación neurológica avanzada dura toda la vida. Se trata simplemente de una nueva aplicación.

Lo que puede ser cierto es que el niño está menos gravado por el ajetreo de la vida y tiende a tener menos desorden mental. Este estado se traduce en una capacidad natural de absorber el nuevo material más rápido que los adultos. Sin embargo, lo que el niño a menudo no tiene es el deseo. El adulto realmente quiere estudiar piano. Y este gran deseo crea el mismo tipo de enfoque que se necesita para el aprendizaje rápido. De hecho, los adultos que tienen esta intención, a menudo de querer compensar "el tiempo perdido", a menudo aprenden más rápido que los niños. 

El adulto que es sólo un aficionado y que no tiene el gran deseo es un típico adulto agotado. Este tipo de adulto es el adulto que tenderá a aprender más lento, no porque no practican lo suficiente, sino porque es muy distraído. Otra causa de distracción es auto-juicio y el estrés y la impaciencia que se asocia con el aprendizaje. Los adultos han tenido varios años para familiarizarse con la música, para que sepan cómo se "supone" que es el sonido, mientras que los niños por lo general nunca han escuchado la pieza que están aprendiendo. Así que los estudiantes adultos tienen que tomar la precaución sobre esta tentación innecesaria a pensar que "deben" sonar como un pianista profesional después de tocar sólo por tres semanas. El estudiante adulto debe aprender a aceptar su capacidad actual con la gracia y el aprecio. 

Si te gustaría aprender violín y eres un adulto consulta este link

lunes, 26 de octubre de 2015

Masterclass con los grandes del teatro musical

La próxima semana, a partir del lunes 2 de noviembre 2015 la academia de artes Up Stage recibirá en sus instalaciones a parte del elenco del Rey León, quienes estarán impartiendo clases de actuación, interpretación, canto y baile.
Este curso está diseñado para todos aquellos artistas profesionales y amateurs de 15 años en adelante que aman el teatro musical. 
Todos los lunes y martes de noviembre de 10 a 14 horas.

Clases impartidas por los actores.
Elenco del Rey León quienes impartirán la Masterclass

Contenido de las clases

Canto: Sergio Carranza 2 y 3 de Noviembre
  • Respiración y administración del aire 
  • Vocalización integral 
  • Afinación, coloratura y entonación 
  
Interpretación: Jorge Lau 9 y 10 de Noviembre 
  • Uso del punto fijo o interlocutor 
  • Diferenciar entre cantar e interpretar 
  • Abanico escénico 
  • Menos es Más 
  • Movimiento en el escenario (fuerza, proyección y energía) 
Baile: Raymundo Montoya 17 y 24 de Noviembre 
  • Calentamiento, parte esencial de cada clase donde trabajaremos todos los grupos musculares. 
  • Combinación de técnica de ballet y danza contemporánea con movimientos de jazz. 
  • Nos enfocaremos en el trabajo técnico. 
  • Hacer conciencia sobre el significado profundo de la danza enfocada a la comedia musical.  
Actuación: Ignacio Rivapalacio 16 y 23 de Noviembre 
  • Las Acciones, la acción física como elemento primordial para construir la escena. 
  • La escucha, la atención y los estímulos como herramienta para mantener viva la escena. 
  • El personaje, la dimensión metafórica como herramienta para construir el personaje. 
 Plática de cierre: Flavio Medina 30 de Noviembre
Para más información accede a la página de Facebook de Up:Stage

miércoles, 9 de septiembre de 2015

¡Qué Plantón! El musical

¡Qué Plantón! A pocos días de estrenar.



Funciones del musical Qué Plantón.
Academia Up:Stage ¡Qué Plantón! El musical


 ¡Acompáñanos a descubrir quién es el héroe que puede salvar nuestro planeta! Up:Stage Academia de Artes, ubicada en Avenida Jinetes n. 47 Las Arboledas en el municipio de Atizapán de Zaragoza a través de su compañía de teatro musical, presentará los días 20 y 27 de septiembre en el Teatro Javier Barrios Sierra de la FES Acatlán.

¡Qué Plantón!, el gran musical mexicano. El libro de Qué Plantón fue escrito por Guillermo Méndez y Marina del Campo, y la música compuesta por Guillermo Méndez. Sin duda es uno de los musicales mexicanos más conocidos; una historia que debería ser contada una y otra vez.

Esta historia cuenta la preocupación de la inminente destrucción de nuestro planeta. Con esta alerta, El Profeta decide enviar a las plantas a una aventura inolvidable. Para poder gobernar el planeta, ellas tienen como misión resolver este enigma: “¿Cuál es la propiedad más importante que tienen en común y que las distingue de los demás serés vivos?”. Siguiendo su corazón, emprenden un viaje donde encontrarán más amigos y se enfrentarán con situaciones que pondrán a prueba su fortaleza y amistad.

Dirigida por Héctor Alzaldúa, coreografía de Mónica Sosa y Arturo Zuñiga, dirección de Raúl Irabién y la actuación de los integrantes de la compaía de teatro musical de Up:Stage Academia de Artes; presentarán cuatro únicas funciones los últimos dos domingos 20 y 27 de septiembre 2015 en un horario de 12 y 16 horas, en el teatro de Javier Barrios Sierra dentro de la FES Acatlán ubicada en Alcanfores Sin Número, Santa Cruz Acatlán, 53510 Naucalpan de Juárez.

 ¿Ya tienes tus boletos? Corre a comprarlos a las instalaciones de Up:Stage o con cualquier miembro de la compañía.


 Av. Jinetes 47, Fraccionamiento Las Arboledas Tlalnepantla Estado de México. C.P. 54026
Tel: 4336 9000

Consulta más información sobre Up:Stage

Estudiantes de Berklee en los Latin Grammy

El 6 de noviembre 2014 30 estudiantes de 14 distintas nacionalidades de la Universidad de Berklee fueron invitados a tocar junto a la estrella española Alejandro Sanz durante los Premios Latin Grammy 2013 en Las Vegas. Los estudiantes fueron invitados por Javier Limón , director artístico del Instituto de Música del Mediterráneo en Berklee. “Esta idea surgió porque nosotros decidimos otorgarle el doctorado “Honoris Causa” a Alejandro Sanz por su carrera como compositor y su apoyo al flamenco un mes antes de los Grammy, ahí se celebra un concierto homenaje con su música, y cuando Alejandro vio como los chicos de Berklee interpretaban su música decidió que la mejor manera de devolverles tan bonito regalo era invitándolos a tocar con él a los Latin Grammy a Las Vegas” expresa Javier Limón.
Alejandro Sanz recibe el título "Doctor Honoris Causa"

 “Hace un año los alumnos por propia iniciativa hicieron un videoclip de "La música no se toca", esos mismos alumnos fueron básicamente los que luego fueron invitados al “honoris causa” de Alejandro Sanz y luego los que fueron a Las Vegas. Nosotros no elegimos a los alumnos, sino que los alumnos nos eligieron a nosotros” comparten Javier Limón y Oscar Stagnaro quiénes fueron los productores ejecutivos. 



 Los estudiantes invitados a los Latin Grammy representaron la diversidad de Berklee con músicos provenientes de países latinoamericanos como Venezuela , Brasil, México , Argentina , Ecuador , Perú , Cuba y Colombia , así como Grecia, España , Jordania , Israel , Palestina, y los Estados Unidos .

 “En una gala de los Latin Grammys dónde hay tanto playback, una actuación realmente en vivo en una gala así fue un trago de agua fresca, un oasis de naturalidad y de verdad en medio de esa gala. Berklee es una universidad que ya era la número uno en escuelas de música del mundo, pero ahora además también es la número uno liderando la enseñanza musical latina en español” amplió Javier Limón. 

Trabajar con Alejandro Sanz y tocar en los Latin Grammy ha sido una experiencia extraordinaria, compartió Marco Flores, uno de los alumnos de 4to semestre de Arreglo y Producción y el actual presidente de LAMBA (Latin American Music Business Association) quien participó tocando la guitarra. “Hay muchos artistas que llevan más de 3 años queriendo presentarse en los Latin Grammy y no han podido por varias razones y nosotros con Alejandro Sanz que es de los artistas que más Latin Grammys ha ganado, pudimos hacerlo. 

Estamos muy agradecidos con Javier Limón y con Berklee por estas iniciativas. Los alumnos se han dado cuenta de que aunque aprendas mucho luego te lo juegas todo en un minuto, el tren sólo pasa una vez. Por suerte ellos está vez todos lo han tomado.



15 años Academia Latina de la Grabación

Establecida en 1997 bajo la misión de trabajar a través de becas, donaciones y programas educativos para incrementar la percepción y apreciación internacional hacia la contribución de la música latina al mundo de la cultura. La Academia Latina de la Grabación es una asociación de miembros compuestos por músicos, productores, ingenieros y otros profesionales creativos y técnicos de la industria de la grabación quienes están dedicados a mejorar la calidad de vida y la condición cultural de la música latina y sus creadores. Miembros de La Academia Latina de la Grabación incluyen músicos profesionales de los Estados Unidos y comunidades de habla hispana y portuguesa alrededor del mundo, integrada por profesionales en más de 30 países.

 Conversé con Gabriel Abaroa, presidente de la Academia Latina de la Grabación, quien nos compartió lo que él piensa acerca del propósito general de la Academia, que ha sido despertar el interés internacional hacia lo que es la complejidad y la naturaleza de la música latina. “Hay mucha gente que todavía piensa que la música latina es cualquier cosa que suene a congas ó mariachi y nadie entiende que son verdaderas expresiones culturales y que hay música tan diversa como un flamenco en España, un tango argentino, una samba en Brasil, la cumbia colombiana ó un corrido mexicano, y esto sin olvidarnos del merengue, bachata, ballenato, valses peruanos, ó la salsa.” Hay tantos movimientos que tenemos que salir a educar al público sobre lo que somos en lugar de siempre pasar quejándonos de que no se nos conoce lo suficiente.

La Academia no trabaja para nadie en particular, trabaja para quien crea, ejecuta o produce música; sin importar si son independientes, multinacionales, exitosos ó nuevos, siempre y cuando haya potencial. “Deseamos tener a los mejores músicos que nuestro territorio pueda dar, formados de la mejor forma para que puedan tener una posibilidad de éxito” añade el presidente Abaroa.

Los dos grandes retos de la organización 
Contar con la base financiera necesaria para poder hacer un trabajo fuerte y a fondo, sin embargo hay que entender que nuestra región iberoamericana no está acostumbrada a dar y menos a cuestiones culturales. La segunda es poder ubicar realmente dónde y a quién apoyará la Fundación Latin Grammy.

Los primeros 15 años de vida
Este año La Academia Latina de la Grabación cumple sus primeros 15 años, lo cual para La Academia es un gran festejo porque no es solamente festejar 15 años de vida, sino 15 años de supervivencia. Es una organización sin fines de lucro que empezó con todo en contra y de repente llegar y cumplir 15 años es un gran logro. Se tienen que conmemorar con algo muy especial, la forma más linda es regresarle al mundo de la música algo de lo mucho que ellos le han dado como organización; cualquier ingreso que esta organización reciba se lo dan a la Fundación que está ahorita en pleno trabajo de incorporación para que se pueda regresar al mundo de la música a través de apoyar estudiantes para que tengas becas, a escuelas para que tengan instrumentos y ubicar a jóvenes que tengan gran potencial para que no se frenen por educación.

 “Con los 15 años de los Latin Grammy queremos lograr que no pase por desapercibido algo tan importante como lo es el cumplir 15 años de edad para una señorita iberoamericana que representa la música y que le ha costado crecer, pero que ahora se muestra muy sólida y con mucho ritmo”, garantiza Gabriel Abaroa.

Visita la página oficial Latin Grammy

Gabriel Abaroa 37 años de carrera en la industria musical


Gabriel Abaroa
Gabriel Abaroa

 • La trayectoria musical de este personaje mexicano, mayor de 6 hermanos comienza una Navidad cuando en vez de llevar los típicos juguetes de Santa Claus llevaron instrumentos musicales. Gabriel tocaba el acordeón y el órgano.

 • Los hermanos Abaroa hacían jingles para comerciales de televisión, coros, cantaban en misas y hacían conciertos. La música se convirtió en el motor de la vida de Gabriel desde los 14 años.

 • Cuando tenía 18 años rechazó una invitación para tocar en Disney, porque quiso seguir con su carrera de abogado en la Universidad Nacional Autónoma de México. Aunque le fascinaba la música sabía que México no estaba preparado para darle a los músicos la vida que él quería llevar.

 • Cuando terminó la carrera uno de sus clientes naturales fue la industria de la música (artistas, compañías discográficas, editoras, empresarios). Y en poco tiempo formó uno de los despachos más efectivos de América Latina.

 • Se agotó por tantos viajes y después de este tiempo ofreció sus servicios voluntarios gratuitos a varias organizaciones, entre ellas los Grammys quienes año y medio después lo invitaron a ser el Presidente Ejecutivo, hasta llegar a ser el CEO.



Berklee College of Music y su Five-Week Summer Performance Program

Berklee "Five-Week Summer Performance Program" 2012 

Edificio de Berklee College of Music en Boston
Berklee College of Music Boston 2012




Fundada bajo el principio de mejorar la preparación de los estudiantes de música a través del estudio y la práctica, Berklee College of Music se ha instaurado por más de 50 años como una universidad en constante evolución, cuyos alumnos y egresados dan muestra del estado del arte y el negocio de la música contemporánea.

Por décadas, la institución bostoniana ha trazado una forma de trabajo que convo- ca a talentos de altísimo nivel venidos de todo el orbe, cuya interacción propicia el reto constante de mejorar las aptitudes propias poniéndolas en acción día con día en clase, ensayos y conciertos que ocurren incluso más allá de las aulas.

Extensión de ese método es la oferta de cursos de verano, más de 20 programas entre los que destacan el Five-Week Summer Performance Program, cuyos conteni- dos y realización coordinan Rob Rose (vicepresidente de programas especiales y responsable de la producción de los conciertos hechos en la escuela durante el año, además del Bean Town Jazz Festival) pero, sobre todo John Pierce y Bob Doezema, directores del curso veraniego. La del 2012 fue su vigésimo sexta edición con una convocatoria de 983 jóvenes de más de 70 países.

Para Bob Doezama la visión del proyecto se sintetiza así: “En 1987, junto con Bob Myers (uno de los administradores de asuntos académicos) quisimos crear un curso de teoría basado en el instrumento y no en la idea de que un estudiante debe aprender teoría en un pizarrón. Buscábamos tomar lo que un estudiante sabe y dejar que el instrumento lo guiara y enseñara sobre teoría musical; es decir, tocar una escala, sentirla, escucharla y entenderla. Diseñamos este curso para que las clases sean amigables para los estudiantes y estén en un ambiente libre de estrés, porque sabemos que varios vienen sin conocimientos teóricos”.

Por ello, el armado de grupos se hace de acuerdo al nivel de los estudiantes el cual se detecta mediante un examen breve de musicalidad y teoría que comprende aspectos como conocimientos de escalas, intervalos, modos musicales para improvisación, tensiones, voces, entre otros. Una segunda parte de la evaluación consiste en la ejecución del instrumento en la que se observa la lectura de partitura a primera vista, improvisación y por su puesto el grado de dominio sobre el instru- mento. Ya con el resultado, se añade la preferencia musical del alumno (pop, rock, jazz, funk, etcétera) y así se les asigna en grupo y nivel adecuado, con los maestros idóneos para dicho género.

Otro pilar del éxito del programa es su otorgamiento de becas, parte crucial del enfoque de asistencia comunitaria de la escuela a su comunidad. “El programa ofrece becas para Summerville. Recientemente el City Music Program, proyecto que busca y ayuda a estudiantes que no tiene las posibilidades econó- micas de atender a Berklee, se ha extendido a lo largo de todo Estados Unidos, y de 983 estudiantes, 100 son fueron los becados por este programa”, compartió Bob.

Un círculo virtuoso, pues, es lo que un sistema de trabajo como el mostrado en el Five Week Program íntegras de la academia, los que fueran alumnos ayer, regresan para asumir el rol de maestros y compartir la experiencia de vivir de la música. Ejemplo de ello fue el concierto de celebración en honor de los primeros alumnos becados del City Music Program, recital que colmó las escuchar a los otrora alumnos, hoy convertidos en profesores o músicos de renombre.

“Nuestra meta en Berklee es dar la oportunidad a estudiantes de ser el lugar donde ellos puedan conocer a otros estudiantes de todo el mundo que están interesados en lo mismo, y de apren- der de muy buenos profesores cómo tocar el instrumento. Eso es lo que nos motiva, que tengan una experiencia inolvidable”

Antes y después de Berklee

Estar cinco semanas en Berklee ha sido la mejor experiencia de mi vida. Convivir con músicos talentosos de todo el mundo y compartir nuestra música, a pesar de la gran diversidad cultural que había, me mostró que el lenguaje de ésta es único.
Desde el primer día, en las sesiones de jam, me sorprendió el gran talento que tienen muchos jóvenes al improvisar jazz y, sobre todo, la pasión que sienten por la música. No había un momento del día en que no hubiera música: en los pasillos, en la calle frente al colegio, el metro, la cafetería... ¡hasta en los dormitorios!

Yo soy pianista y elegí como género el jazz. Aprendí más respecto a teoría, repertorio e improvisación; pero sobre todo, la vivencia me hizo ratificarme como músico y sentirme más enamorada de la música, en especial del jazz que siempre me ha gustado, pero que ahora comprendo y disfruto más.

Si bien somos muchos los mexicanos que estuvimos en Berklee este verano -y la verdad, de muy buen nivel-, también me percaté que son pocos los virtuosos pues sólo algunos lograron obtener beca o ganar un concurso, a comparación de los representantes estadounidenses o europeos que sobresalían más.

Mi sueño es volver a Berklee; todo fue increíble, estar rodeada de gente de mi edad tan talentosa, excelentes maestros, vivir en esa hermosa ciudad que es Boston, pero sobre todo ser parte de esta comunidad de músicos de gran calidad como intérprete y espectadora. Me queda la realización de haber estado en una de las mejores escuelas de música contemporánea del mundo.


Estudiantes de Five-Week Summer Performance Program 2012
Five-Week Summer Program Berklee


miércoles, 26 de agosto de 2015

UP:Stage Academia de Artes

Edificio academia de artes Up:Stage
Up:Stage Academia de Artes Avenida Jinetes n. 47



Si algo le falta al país es sensibilidad artística, cultura, música, teatro, danza. La creación de escuelas de iniciación artística va a ser la fórmula que nos de un mejor país, una mejor cultura y una mejor sociedad. Es lo que va a hacer que tengamos un mejor desarrollo y tengamos una semilla que hoy nosotros estamos ayudando a fertilizar y que el día de mañana se convertirá en un gran árbol de cultura, de más y mejores artistas y música. Si no va a ser la voz del mañana, el gran bailarín, ó el mejor guitarrista; sí vamos a lograr un mejor público y gente más sensible y menos violenta, más activa y pro activa. 

Con una visión sustentada en la importancia de la cultura y las artes en la formación de las personas, la Academia de artes Up Stage busca contribuir en el desarrollo integral social acercando el arte a la gente, pues afirma firmemente que el antónimo de la guerra no es la paz, sino la creación. 

Up Stage es una academia de artes mexicana de reciente creación en el norte de la Ciudad de México que ofrece un amplio repertorio de cursos y clases especializadas en música, danza y teatro musical. Cuenta con maestros profesionales con experiencia y un excelente currículum que están en constante capacitación para desarrollar al máximo el potencial de sus alumnos. 

El mundo está repleto de talento y Up Stage busca innovar creyendo en el futuro del arte en México, es por eso que tiene como misión impartir clases especializadas, buscando transmitir a sus alumnos la gran pasión que sus creadores sienten por la cultura y las artes. 

Up Stage se compromete a ser la academia de artes líder en el norte de la Ciudad de México, altamente reconocida por su innovador y original método de enseñanza que tiene como características principales: 
 * Grupos compactos de 3 a 6 personas en las clases de música para tener un seguimiento de enseñanza personalizado. 
* Especial énfasis en la lectura de notas y en la importancia de hacer música en ensamble. 
* Metodología de aprendizaje que se adapta a niños, adolescentes y adultos en grupos divididos de acuerdo a nivel y edad. 
* Instrumentos musicales y equipo de vanguardia para brindarle al alumno un ambiente adecuado de aprendizaje. 
* Profesores altamente calificados con experiencia artística y pedagógica. Destacando además por su desempeño como incubadora de talento y el alto rendimiento de sus alumnos. 

Cursos: de música: Bajo eléctrico, batería, canto, clarinete, guitarra acústica y eléctrica, iniciación musical infantil, piano, saxofón, trompeta, trombón, violín y violonchelo. 

Cursos de danza: Bailes de salón, ballet clásico, flexibilidad, folclor, hip-hop, jazz funk, jazz lírico. 

Otro curso que Up Stage ofrece es Teatro musical.

El mundo está repleto de talento y tú también tienes uno. ¡Atrévete a descubrirlo! 
Si necesitas más información o quieres agendar tu primer clase muestra, ponte en contacto.

Tel. 4336 9000 
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